Se faire mal

A look back at the director (and not the actor) of a handful of singular films that have in turn convinced, shocked and challenged, with a constant desire to make an impression. But never gratuitously. Mel Gibson remains a masochist, sometimes hallucinated, whose darker sides will have provided plenty of fodder for the scandal gazettes. Whatever the case, from his shaggy preaching to the banishment of a phagocyted Hollywood, through his excesses of all kinds, the filmmaker’s work in progress is based on dereliction incarnated in the flesh, without ever looking away. A posture that never ceases to make hard-boiled filmgoers fantasise.

Flash back. Mel Columcille Gerard Gibson was born on January 3, 1956, not in Australia as is popularly believed, but in Peekskill, a small town in New York State, just like actors Stanley Tucci and Paul Reubens. A small but important family focus. Mel is the sixth child in a family of eleven. His mother is of Irish descent and his paternal grandmother, Eva Mylott, was an Australian opera singer with a strong personality. He inherited the strength of character and steely blue eyes that would ensure his success. His father, Hutton Gibson, was a Christian traditionalist, a convinced sedevacantist and a notorious revisionist (what a pedigree). As an indirect consequence, the family emigrates to Australia to protest against the Vietnam war and incidentally to avoid Mel being drafted, but also to escape the “moral decadence” of America. Quite a program. What an atmosphere! It’s hard in these conditions to deny the influence of the daddy on the son and the complex relationship he will have with the father figure throughout his filmography. We will come back to this.

1968. It is in Australia that Mel Gibson begins to rub shoulders with the classical theatre repertoire (Romeo and Juliet in particular). He shares a room with Jeffrey Rush and, after a bar fight, accompanies a friend by chance to the casting of a “backpacker” film. His swollen face fascinates the director, a certain George Miller, who sees in him the incarnation of his hero subtly nicknamed Mad Max. The eponymous film will change the life of the 23 year old. The sequel follows in quick succession. The meeting with Peter Weir on Gallipoli (1981) enabled him to win a second acting prize at the Australian Film Institute Award. Above all, Mel Gibson saw in him, as in Miller, a mentor who propelled him to Hollywood with The Year of All Dangers (1982). On their sets, he learns the craft in front of the camera but also behind it. Mel is not one to hide in his dressing room between takes. He stays with the crew, asks lots of questions and is passionate about all aspects of film-making. The rest is history.

The successes followed and Mel finally got his feet wet in directing with the very polished The Man Without a Face (1993), a modest chronicle of a disfigured outcast. Nothing impressive enough to see Braveheart (1995) and its slew of Oscars (including film and director) coming. Yet this success marked a turning point for the actor and for the ‘man’. On the one hand, his difficulty in finding a subject so inhabited and then this obsession for a certain form of masochistic martyrdom that develops throughout his filmography (Payback, Complots, Patriots). But the real schism will obviously come from The Passion of the Christ (2004), which is pointed out as a middle finger to Hollywood. Self-financed, an improbable film in its development as well as in its production, with no hope of success, it placed America face to face with its contradictions, provoking scandal with accusations of anti-Semitism and the gory and self-indulgent asperities of the direction. Everything went wrong for Mel Gibson. Crashes. A relapse into alcoholism. Ethylic logorrhea.  Dereliction. Despite the film’s exceptional success (over 600 million dollars in revenue), which put him back in the crosshairs of Hollywood, and then the start of his next project, Apocalypto, Mel Gibson’s world gradually collapsed. Until he was banished.

Supported by Robert Downey Jr. and above all Jodie Foster, who offered him the beginning of redemption in front of the camera (The Beaver Complex, 2011), the actor is now in Californian purgatory. The fault, above all, lies in his inability to play the game. To lower his head. By painting a deliberately disgusting picture of humanity in his films, Mel Gibson does not only make historical films obsessed with violence but pure action films with all the visceral imagery that this can carry. The physical embodiment of his view of civilisations is transposed without complex, without preconceived ideas and a fortiori without compromise. Mel Gibson has often played the mad dog, the hero with a joyous outburst, the borderline character, rebellious, often haunted by a family drama. In real life, he admits to suffering from bipolarity. If you look at his filmography again, and especially that of the director, it is not surprising. A veritable Jeckyll and Hyde with a mutilated or mottled face, the public figure, the artist and the man seem to be engaged in an incessant inner battle.

A filmmaker of transcendence through suffering, Mel Gibson remains a special case and a more than important filmmaker. Essential. Little appreciated as an actor for having made his classes in action films (see the reactions to Franco Zeffirelli’s Hamlet in 1990), the director seems to have eaten up the credit of a Braveheart that is often forgotten today, when it has influenced many war films (Spielberg’s Saving Private Ryan) or heroic fantasy (Peter Jackson’s Lord of the Rings). But Hollywood remains a land of Phoenix. In 2016, Tu Ne Tueras Point (You Shall Not Kill) was released, a film inhabited by religion but which nevertheless received a very positive critical reception and several Golden Globe and Oscar nominations. A return to grace? Nothing less certain. In the end, this tremor did not lead to much. A couple of mediocre film credits and a few faltering directorial projects. Is the reason the announcement of a sequel to The Passion of the Christ entitled Resurection? In the meantime, his most exciting project remains the remake of Sam Peckinpah’s 1969 film The Wild Bunch, whose final carnage is enough to make all exegetes of aestheticised butchery fantasise.

5

L’HOMME SANS VISAGE (1992)

Ok, il fallait bien commencer quelque part mais la surprise n’en sera pas moins grande. En adaptant le roman de Isabelle Holland, Mel Gibson se fait la main et met le doigt dans l’engrenage de la réalisation avec un sujet intimiste autour d’un ancien professeur défiguré (Mel Gibson évidemment) et père de substitution d’un jeune aspirant (Nick Stahl) d’une école militaire. Si le script évacue l’ambiguïté (peu ambigüe dans le roman) de leur relation, Mel Gibson en profite pour dresser un premier portrait en creux de sa propre personnalité avec ce visage “coupé” en deux, symbole d’une humanité qui serait partagée entre le bien et le mal pour les regards extérieurs – ce que l’on retrouvera d’ailleurs dans les peinturlures du visage guerrier de William Wallace (Braveheart). Surtout, après les gros succès commerciaux de ses films d’action (L’Arme Fatale en tête) et à peine exfiltré des années 80, Gibson nous rappelle qu’il reste un véritable comédien, venu des planches, capable d’autre chose que de simplement courir avec un .45 dans la main. Doté d’un budget très confortable pour un débutant derrière la caméra (25 millions de dollars pas forcément visibles à l’écran mais faut bien se payer ma bonne dame), la réalisation reste très propre, presque académique, heureusement soutenue par la photographie toujours classe de Donald McAlpine (Predator) et une belle partition de James Horner. Pas de quoi casser trois pattes à un canard. L’accueil poli réservé au film par la critique, qui interpréta le film comme un gentil caprice de star, doublé d’un succès public pour le moins mitigé ne laissaient pourtant aucunement présager de la suite. Comme quoi.

Okay, we had to start somewhere, but the surprise is no less great. By adapting Isabelle Holland’s novel, Mel Gibson starts on the director’s pie with an intimate subject around a disfigured former teacher (Mel Gibson of course) and surrogate father of a young midshipman (Nick Stahl) from a military school. If the script evacuates the ambiguity (not very ambiguous in the novel) of their relationship, Mel Gibson takes advantage of it to draw a first portrait of his own (complex) personality with this face “separate” in two, symbol of a humanity which would be divided between good and evil for the outside viewers – which we will find again in the paintings of the warlike face of William Wallace (Braveheart). Above all, after the big commercial successes of the action films (Lethal Weapon) and barely exfiltrated from the 80s, Gibson reminds us that he remains a true actor, coming from the stage, capable of something other than simply running around with a .45 in his hand. With a very comfortable budget for a beginner behind the camera (25 million dollars not necessarily visible on the screen), the direction remains very clean, almost academic, fortunately supported by the classy photography of Donald McAlpine (Predator) and a nice score by James Horner. The polite reception given to the film by the critics, who interpreted the film as a nice star’s caprice, coupled with a mitigated public success did not however let us foreshadow the next step. And so it was.

4

TU NE TUERAS POINT (2014)

Tricard à Hollywood et au-delà depuis Apocalypto (2007), Mel Gibson traverse les années comme une ombre et disparaît même des radars en dehors de quelques tabloïds à scandales. En pleine descente. Si le rôle que lui offre sa copine Jodie Foster dans Le Complexe du Castor (2011) lui permet de revenir poser ses chausures sur le tapis rouge de Cannes, la suite n’a rien de bien glorieux, cumulant des seconds rôles grotesques (The Expendables 3, Machette Kills) et des productions sans intérêt hormis Get the Gringo (2012) dont il a écrit le script une fois encore tricoté de violence spectaculaire. Il faudra véritablement attendre 2014 pour qu’il accepte de revenir derrière la caméra sur un projet qu’il avait pourtant refusé dix ans plus tôt. En racontant l’exploit de Desmond Doss, objecteur de conscience ultra-croyant (tiens donc) décoré de la médaille d’Honneur (quand même) sans avoir usé d’une arme (vraiment), les producteurs souhaitent en effet retrouver le mélange de foi et de violence que Mel Gibson avait porté vers une sorte de pinacle exténué dans La Passion du Christ avant d’être lui même traîné au pilori. Allons donc ! Gibson peut rechigner mais sa carrière ne ressemblant plus à grand chose, il se résout finalement à tenter une aventure qu’il voit aussi comme sa dernière chance de rédemption à Hollywood. Carrément. Avec 40 millions de dollars et l’aide du gouvernement australien, le casting réunis Andrew Garfield qui tient la table (même si ses Spiderman n’ont rien renversé) dans le rôle principal, secondé par Sam Worthington, Vince Vaughn et Hugo Weaving. Du solide, surtout pour un excellent directeur d’acteurs. Côté réalisation, Gibson fait à nouveau preuve d’un sens visuel hors du commun pour tout ce qui touche à l’action pure et dure. La bataille d’Okinawa et les scènes de “boucherie” frappent par leur violence graphique, prend aux tripes, sans flatterie ni voyeurisme malsain et avec une forme d’anti-militarisme sauvage et paradoxal. Certes, le film est un peu retenu par l’absence au score de James Horner, prévu à l’origine mais disparu tragiquement avant le tournage et remplacé par un John Debney plus emphatique, mais l’expérience s’avère un vrai coup de poing dans la gueule. Et même si les scènes intimistes restent en deçà, la capacité du cinéaste à représenter la guerre dans toute son horreur est décidément unique dans le paysage ripoliné d’Hollywood, où rien ne dépasse, avec ce mélange fascinant de tripailles et d’émotions mêlées sans vergogne dans la boue, le sang et les larmes. Le succès critique et public réhabilitera – en partie – un Mel Gibson à nouveau reconnu comme un réalisateur atypique mais essentiel, aux obsessions illuminées mais tout aussi lumineuses. Même s’il s’avère moins fondamental que certaines réalisations précédentes, Tu Ne Tueras Point est un grand film de guerre.

Hard times in Hollywood and beyond since Apocalypto (2007). Mel Gibson has been passing through the years like a shadow and has even disappeared from the radar outside of a few tabloid scandals. If the role offered to him by his friend Jodie Foster in The Beaver (2011) allowed him to return to the Cannes red carpet, the rest of his career was not very glorious, combining grotesque supporting roles (The Expendables 3, Machette Kills) and uninteresting productions, except for Get the Gringo (2012), for which he wrote the script, which was once again knitted with spectacular violence. It was not until 2014 that he agreed to return to the camera for a project he had refused ten years earlier. By recounting the exploit of Desmond Doss, an ultra-believing conscientious objector (oh my) awarded the Medal of Honour (after all) without having used a weapon (really), the producers wish to rediscover the mixture of faith and violence that Mel Gibson had brought to the pinnacle in The Passion of the Christ before being dragged to the pillory himself. Come on! Gibson may balk, but with his career no longer looking like much, he finally resolves to try a venture he also sees as his last chance for redemption in Hollywood. Definitely. With $40 million and the help of the Australian government, the cast reunites Andrew Garfield, who is very popular (even if his Spiderman films didn’t spoil anything) in the main role, assisted by Sam Worthington, Vince Vaughn and Hugo Weaving. A solid performance, especially for an excellent director of actors like Gibson. On the directorial side, he once again shows an outstanding visual sense for all the hardcore action. The battle of Okinawa and the scenes of “butchery” are striking in their graphic violence, taking in the guts, without ever flattering or unhealthy voyeurism in a form of wild anti-militarism. Admittedly, the film is held back a little by the absence of James Horner’s score, which was originally planned but tragically disappeared before shooting and was replaced by a more emphatic John Debney, but it’s a real punch in the face. And even if the intimate scenes fall short, the filmmaker’s ability to portray war in all its horror is decidedly unique in the polished Hollywood landscape, with that fascinating mix of guts and emotion. The critical and public success of the film will – in part – rehabilitate Mel Gibson as an atypical but essential director, with illuminating but equally luminous obsessions. Although less fundamental than some of his earlier work, Hacksaw Ridge is a great war film.

3

LA PASSION DU CHRIST (2004)

Le film de la bascule. Au début des années 2000, Mel Gibson est au sommet. Il peut tout se permettre, ou presque. Engoncé dans une foi qui le taraude depuis son enfance (merci le paternel), il se lance dans l’écriture d’un film qui veut retracer les douze dernières heures du Christ : la fameuse Passion, maintes fois représentée dans l’art pictural et au cinéma (qui a dit La Vie de Brian ?). Les thématiques du sacrifice, de la souffrance, de la violence des hommes croisent naturellement les obsessions de l’acteur/réalisateur. Idéal pour creuser un peu plus sa vision pour le moins pessimiste de l’humanité. Mais rien n’est simple. Histoire de faire “plus vrai“, “plus immersif“, Mel Gibson souhaite un film tourné en araméen, en hébreu et en latin (plutôt que le grec communément employé durant l’empire romain), hésite même à le sous-titrer (pour plonger plus encore le spectateur dans la puissance des images) et budgète le tout aux alentours des 30 millions de dollars, ce qui reste confortable mais pas délirant. Seul problème : le sujet fait peur et la vision de Gibson encore plus. Les studios, frileux, ne veulent pas s’engager sur un traitement qui ressemble à croisade religieuse prosélyte. Planté au milieu du champ, Gibson reprend alors les rennes et décide de produire lui-même le film, ce qui allège considérablement son compte en banque mais lui offre une totale liberté en contrepartie. Le tournage se fait principalement en Italie, à la Cinecittà, porté par la photographie sublime de Caleb Deschanel (Le Meilleur, The Patriot, Killer Joe) et la musique “habitée” d’un John Debney sous influence alors que Lisa Gerard et Patrick Cassidy avaient au préalable travaillé sur le projet. Forcément, la polémique enfle. Froussarde, la 20th Century Fox se désiste de la distribution et pousse Mel Gibson à retrousser ses manches une nouvelle fois et distribuer lui-même le film ! Spots publicitaires, relais promos chez les évangélistes, le réseau dissident se met en place. S’il abandonne l’idée de ne pas sous-titrer le film, le réalisateur ne mégote sur rien, balance du gros sel dans sa vision jusqu’au-boutiste et sort finalement la chose le 25 février 2004, jour des cendres et début de la Carême. Il fallait bien ça. Et c’est un triomphe ! Le film affole les compteurs, se vautre dans la controverse mais dépasse les 600 millions de dollars de recettes ce qui en fait encore aujourd’hui le plus gros succès commercial pour un film classé R (interdit aux moins de 17 ans non accompagné). Mais au-delà des scandales, c’est bien l’aspect financier de La Passion du Christ qui sera perçu comme un crime de lèse majesté. Qu’un film indépendant puisse rapporter de tels bénéfices sans passer par la case “studio” était impardonnable. Et Mel Gibson devra payer l’addition pour n’avoir pas joué le jeu. Le voici estampillé antisémite, pornographe de la violence, révisionniste, tout cela empaqueté avec quelques extras, et quand bien même le film ne propose pas d’homélie ni d’expérience religieuse mais une réaction physique et viscérale face à l’horreur. Film incontestablement contestable, qui ne se prive pas de pousser tous les potards à 11, La Passion du Christ est un mélange perturbant et inconfortable de répulsion et de fascination deux heures durant, dans une forme de trip délirant de barbarie et de cruauté qui tire dans tous les sens, comme un acte primitif, parfois à blanc, parfois avec des fulgurances hallucinantes pour enfoncer son concept à grands coups de taloche dans le bide. On est évidemment à l’exact opposé de L’évangile Selon Saint Matthieu de Pasolini tant la volonté du cinéaste est de créer un choc organique en se projetant lui-même dans la figure sacrificielle du Christ face à son “père” (on y revient) : filmer ses propres mains planter les clous sur la croix en dit même long sur l’état d’esprit du bonhomme. Interprété au choix comme un sommet de film sans concession ou un abysse abjecte de bêtise crasse, le film sera quoi qu’il en soit un phénomène porté comme un boulet pour nombre de collaborateurs ayant participé au projet. Jim Caviezel – JC lui aussi – vivra même cette expérience comme une “révélation“. Logiquement classé tout en haut de la pile des films polémiques par Entertainment Weekly (devant Orange Mécanique), le film sera également décrié par certains cinéastes dont Paul Verhoeven, exégète de la question religieuse, qui interprètera le film comme l’apologie d’un Dieu primitif qui exigerait des sacrifices humains. Bien ou mal, il sera intéressant de voir dans son film suivant, Apocalypto, une réponse directe à ce point de vue. Quoi qu’il en soit, et même si l’histoire fut à la fois celle d’un triomphe et le début d’un long chemin de croix, et alors que la rédemption semblait acquise grâce à Tu Ne Tueras Point, voici qu’une suite est désormais annoncée. Comme un nouveau doigt tendu vers un système qu’il juge vicié de l’intérieur. Intitulé “Resurrection of Jesus“, le projet se focalise sur la lutte du Christ en Enfer et son retour trois jours après sa mort. Un tournage était prévu en 2019 puis en 2020… une nouvelle fois reporté. Les nouvelles sont en pointillées mais Jim Caviezel y croit. Décidément, les voies du seigneur son impénétrables.

The movie of the tipping point. In the early 2000s, Mel Gibson is at the top. He can afford almost anything. Embroiled in a faith that has tormented him since childhood (thanks to his father), he embarked on writing a film that would retrace the last twelve hours of Christ: the famous Passion, which has been depicted many times in pictorial art and in the cinema (who said Life of Brian?). The themes of sacrifice, suffering and human violence naturally intersect with the actor/director’s obsessions. Ideal for digging a little deeper into his pessimistic vision of humanity, to say the least. But nothing is simple. In order to make it “more real”, “more immersive”, Mel Gibson wants the film to be shot in Aramaic, Hebrew and Latin (rather than the Greek commonly used during the Roman Empire), even hesitates to subtitle it (to immerse the viewer even more in the power of the images) and budgets the whole thing at around 30 million dollars, which is still comfortable but not crazy. The only problem is that the subject is frightening and Gibson’s vision even more so. The studios are reluctant to commit to a treatment that looks like a proselytising religious crusade. Stuck in the middle of the field, Gibson then took the reins and decided to produce the film himself, which considerably lightened his bank account but gave him total freedom in return. The film was mainly shot in Italy, at Cinecittà, with the sublime photography of Caleb Deschanel (The Best, The Patriot, Killer Joe) and the music of a John Debney under the influence of Lisa Gerard and Patrick Cassidy who had previously worked on the project. Inevitably, the polemic swells. The 20th Century Fox, being very shy, withdraws from the distribution and pushes Mel Gibson to roll up his sleeves once again and distribute the film himself! Advertising spots, promotional relays among evangelists, the dissident network is set up. If he abandons the idea of not subtitling the film, the director doesn’t skimp on anything, throws salt in his up to the minute vision and finally releases the thing on February 25, 2004, the day of ashes and the beginning of Lent. That’s what it took. And it’s a triumph! The film went crazy, wallowed in controversy but exceeded 600 million dollars in revenue, which still makes it the biggest commercial success for an R-rated film (forbidden to those under 17 years of age without accompaniment). But beyond the scandals, it is the financial aspect of The Passion of the Christ that will be perceived as a crime of lèse majesté. That an independent film could make such profits without going through the studio was unforgivable. And Mel Gibson will have to pay for not playing the game. Here he is stamped as an anti-Semite, a violence pornographer, a revisionist, all of this packaged with a few extras, and even though the film does not propose a homily or a religious experience but a physical and visceral reaction to horror. An undeniably questionable film, which does not shy away from setting all the pots at 11, The Passion of the Christ is in fact a disturbing and uncomfortable mixture of repulsion and fascination for two hours, in a form of delirious trip of barbarism and cruelty that shoots in all directions, like a primitive act, sometimes blank, sometimes with hallucinating flashes to ram its concept into the gut. This is obviously the exact opposite of Pasolini’s The Gospel According to Saint Matthew, as the filmmaker’s desire is to create an organic shock by projecting himself into the sacrificial figure of Christ facing his “father” (we’ll come back to that): filming his own hands driving the nails into the cross even says a lot about the man’s state of mind. Interpreted by some as a summit of uncompromising filmmaking and by others as an abject abyss of crass stupidity, the film will in any case be a phenomenon carried like a ball and chain for many of the collaborators (Jim Caviezel – JC too – with a “revelation” at the end) who participated in the project. Logically ranked at the top of the pile of polemical films by Entertainment Weekly (ahead of Clockwork Orange), the film will also be decried by certain filmmakers, including Paul Verhoeven, an exegete of the religious question, author of a book on Jesus and who has been considering a film on the subject for a long time, who interprets the film as an apology of a primitive God who would demand human sacrifices. Right or wrong, it will be interesting to see in his next film, Apocalypto, a direct response to this point of view. In any case, even if the story was both a triumph and the beginning of a long road to the cross, and while redemption seemed to have been achieved thanks to You Shall Not Kill, a sequel has now been announced. Like a new finger pointing at a system that he considers to be flawed from within. Entitled “Resurrection of Jesus”, the project focuses on Christ’s struggle in Hell and his return three days after his death. Filming was scheduled for 2019 and then 2020… again postponed. The news is dotted but Jim Caviezel believes in it. The Lord’s ways are definitely inscrutable.

2

BRAVEHEART (1995)

Après un premier essai plutôt gentillet derrière la caméra avec L’Homme Sans Visage, Mel Gibson cherche un nouveau sujet pouvant lui permettre de passer la vitesse supérieure (et plus si affinités). Un script initial de Randall Wallace, alors scénariste pour la télévision sur les productions Stephen J. Cannell (Rick Hunter, Sonny Spoon) allait tomber sur le bureau de Alan Ladd Jr. ponte de la MGM. Ce dernier le propose illico à un Mel Gibson en plein bourre. Malgré quelques origines écossaises, ce dernier décline l’offre mais le brusque départ du producteur en 1993 allait redistribuer les cartes. En quittant le studio avec plusieurs projets dans ses cartons, Ladd Jr. veut se refaire la cerise et propose à nouveau le script à Gibson qui se laisse convaincre même s’il ne souhaite pas interpréter lui-même William Wallace. En effet, l’histoire suit le personnage de 25 à 35 ans alors que Gibson arrive tranquillement vers la quarantaine. Surtout, la réalisation de ce film prévoit d’être complexe, ambitieuse et Gibson souhaite proposer le rôle à Brad Pitt qui sort de Et Au Milieu Coule Une Rivière et True Romance. Mais les investisseurs sont frileux. Le projet est risqué. Coûteux : 60 millions de dollars. La Warner tente de négocier un nouvel Arme Fatale avec l’acteur, qui refuse, et les négociations piétinent. Mel Gibson a peu de marge de manœuvre et finit par accepter d’interpréter lui-même le rôle pour rassurer toute la clique. Une décision qui le dégage du Cinquième Elément de Luc Besson au profit de Bruce Willis. Pas forcément un mal. Toujours est-il qu’il ne veut pas cumuler les postes et demande que la réalisation soit confiée à Terry Gilliam… qui écarte la proposition. Pas le choix. Mel Gibson s’embarque alors dans un tournage où il va largement puiser du côté de ses deux mentors : George Miller et Peter Weir. Il y a pire ! Il zieute évidemment quelques classiques dont Spartacus (Stanley Kubrick) avec qui il partage les thèmes du sacrifice et de la révolte. Sur le tournage, Mel Gibson change également d’attitude. S’il imposait son point de vue lors du tournage de son premier film, il aborde celui de Braveheart avec un esprit participatif, presque communautaire. Plus modeste, il ne se considère plus comme la personne la plus intelligente du plateau et laisse ses collaborateurs exprimer leurs avis, leurs idées. Et ça paye. Le premier montage de 3h15 est réduit à 2h57 (la possibilité d’une version de quatre heures sera évoquée) à la demande du studio. Les projections test sont positives mais les polémiques, inévitables avec Gibson, traînent dans leur sillage : homophobie, anglophobie, non respect de la vérité historique. Même si les scènes intimistes frôlent parfois l’excès de sucrette (notamment avec Sophie Marceau), elles n’empêchent pas la critique de saluer le côté épique de l’aventure, avec ses impressionnantes scènes de batailles où s’écharpent jusqu’à 1,600 figurants, qui inspirera à la fois Steven Spielberg pour Il Faut Sauver le Soldat Ryan mais également Peter Jackson et sa trilogie du Seigneur des Anneaux. Rien que ça ! Le public en fait quant à lui un succès immédiat. Porté par des comédiens qui ont tous la “gueule de l’emploi” (Patrick McGoohan, Brendan Gleeson, Brian Cox) et qui donnent au film toute sa crédibilité. Si Mel Gibson peine à incarner le “jeune homme” du premier tiers, il déploie une énergie hors du commun qui fait passer la pilule. Sa vision du monde est sans concession, pessimiste sur la nature humaine, même s’il conserve encore une faible lueur d’espoir. Mais en bon acteur masochiste, toujours prompt à travailler son propre mythe au corps, quitte à le torturer au delà du supportable et à le dépecer pour le compte, il investit sa propre image dans une forme d’héroïsme sacrificiel jusqu’au-boutiste (tout comme l’artiste qui va au bout de ses projets malgré le manque de courage des studios) que les détracteurs ont alors perçu comme de la pure mégalomanie machiste. Et plus tard comme une première représentation christique. Braveheart est pourtant travaillé par une forme de romantisme naïf qu’il serait stupide de laisser de côté au profit de la barbarie ambiante. Le compositeur James Horner ne s’y est pas trompé avec peut-être sa plus belle partition, qui ne se contentera pas de lancer une véritable vague celtique mais infusera jusqu’au score qu’il écrira deux ans plus tard pour un certain Titanic de James Cameron. Une bande originale injustement oubliée lors d’une cérémonie des Oscars qui verra malgré tout Braveheart, grand film épique, mal poli et en colère, remporter six statuettes dont celles de meilleur film et meilleur réalisateur. Mel Gibson est alors plus haut que jamais.

Pour l’anecdote, Angus Macfadyen reprendra son rôle de Robert the Bruce dans une suite éponyme qu’il co-écrira, réalisée par Richard Gray. Considéré comme une suite à Braveheart, le film de convainc ni la critique, ni le public.

After a rather gentle first attempt behind the camera with The Man Without a Face, Mel Gibson was looking for a new subject that would allow him to move up a gear (and more if he wanted to). An initial script by Randall Wallace, then a television writer on Stephen J. Cannell productions (Rick Hunter, Sonny Spoon), landed on the desk of Alan Ladd Jr. for MGM. The latter immediately offered him to a Mel Gibson in full swing. Despite some Scottish origins, the latter declined the offer but the producer’s abrupt departure in 1993 was to redistribute the cards. Leaving the studio with several projects in the pipeline, Ladd Jr. wanted to get back on track and offered the script to Gibson, who was persuaded even though he did not want to play William Wallace himself. Indeed, the script follows the character from the age of 25 to 35, whereas Gibson is slowly reaching his forties. Above all, the film was expected to be complex and ambitious to make, and Gibson considered offering the role to Brad Pitt, who was coming off Et Au Milieu Coule Une Rivière and True Romance. But investors were skittish. The project was risky. Expensive: 60 million dollars. Warner tries to negotiate a new Lethal Weapon with the actor who refuses and negotiations stall. Mel Gibson has little room for manoeuvre and finally agrees to play the role himself to reassure the whole gang. A decision that frees him from Luc Besson’s Fifth Element in favour of Bruce Willis. Not necessarily a bad thing. Still, he doesn’t want to cumulate the roles and asks that the direction be entrusted to Terry Gilliam… who refuses. No choice. Mel Gibson then embarks on a shoot where he will largely draw from his two mentors: George Miller and Peter Weir. There are worse things! Of course, he also looked at a few classics, including Spartacus (Stanley Kubrick), with which he shares the themes of sacrifice and revolt. On the set, Mel Gibson also changes his attitude. While he imposed his point of view during the shooting of his first film, he approaches the shooting of Braveheart with a participatory, almost community spirit. More modest, he no longer considers himself the smartest person on the set and lets his collaborators express their opinions and ideas. And it pays off. The first cut of 3 hours 15 minutes was reduced to 2 hours 57 minutes (the possibility of a four-hour version was recently raised) at the studio’s request. The test screenings were positive but the controversies, inevitable with Gibson, followed in their wake: homophobia, anglophobia, disrespect for historical truth. Even if the intimate scenes sometimes verge on the excessive (especially with Sophie Marceau), they do not prevent the critics from saluting the epic side of the adventure, with its impressive battle scenes where up to 1,600 extras fight, which will inspire both Steven Spielberg for Saving Private Ryan and Peter Jackson for his Lord of the Rings trilogy. That’s it! The public made it an immediate success. Carried by actors who all look the part (Patrick McGoohan, Brendan Gleeson, Brian Cox) and who give the film all its credibility. If Mel Gibson struggles to pass for a young man during the first third, he deploys an uncommon energy that makes the pill pass. His vision of the world is uncompromising, pessimistic about human nature, even if he still retains a faint glimmer of hope. But as a good masochistic actor, always ready to work his own myth to the core, even if it means torturing it beyond what is bearable and butchering it for the sake of it, he invests his own image in a form of sacrificial heroism to the point of extremity (just like the artist who goes to the end of his projects in spite of the lack of courage of the studios) which the detractors then perceived as pure macho megalomania And later as a first Christ-like representation. Braveheart is nevertheless imbued with a form of naive romanticism that it would be foolish to ignore in favour of the ambient barbarism. Composer James Horner made no mistake with perhaps his finest score, which not only launched a veritable Celtic wave but also infused the score he wrote two years later for James Cameron’s Titanic. A soundtrack that was unjustly forgotten at an Oscar ceremony that nevertheless saw Braveheart, a great epic, unpolished and angry film, win six statuettes, including those for Best Film and Best Director. Mel Gibson is now higher than ever.

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APOCALYPTO (2007)

De l’authenticité. De la barbarie. De la condition humaine. Apocalypto c’est un peu toute l’essence du cinéma de Mel Gibson résumé en deux heures de cavalcade en forêt, de sacrifices humains, d’instinct de survie. En se lançant dans l’écriture du film avec Farhad Safinia qui l’avait assisté lors du tournage de La Passion du Christ (et qui dirigera en 2019 Mel Gibson dans son premier film The Professor and the Madman). L”idée est à nouveau de nous replacer au plus près de l’histoire située cette fois dans la péninsule du Yucatán en plein déclin de la civilisation maya. Uniquement parlé en langue yucatèque afin d’immerger immédiatement le spectateur au cœur de la communauté, le film se lance dans une narration ultra classique, sur des arguments simples mais toujours efficaces : des guerriers mayas peu enclins à la gaudriole déboulent dans le village paisible de Patte de Jaguar, mettent le boxon, capturent les femmes pour en faire des esclaves et les hommes encore en vie pour les offrir en sacrifice au dieu Kukulkan. On a connu destin plus festif. Patte de Jaguar devra dès-lors lutter pour s’échapper et retrouver sa femme enceinte et son fils bloqués dans une fosse. Limpide. La structure du scénario est également un modèle, divisée en trois parties de durée quasiment égales. On reconnaît ici l’efficacité de films qui ont su inspirer Mel Gibson, tels que Predator (lui aussi dans la jungle) ou de Conan le Barbare pour son côté esclaves sacrifiés et déliquescence d’une civilisation mais aussi tout les codes qui vont lui permettre de lancer une course poursuite haletante sur fond d’allégorie d’un monde en décrépitude, perdu dans ses croyances et sa barbarie décadente.

Car ce quatrième film de Mel Gibson n’y va pas le pied sur le frein. Apocalypto fascine d’entrée par son énergie folle et sa capacité à inscrire immédiatement les personnages dans le récit. Un peu d’humour potache pour le village, la brutalité des guerriers, la panique et la peur. Les dialogues sont accessoires. Le film n’a pas grand chose de contemplatif. C’est un film de genre. Pur et dur. Très éloigné du prosélytisme religieux dont on avait pu l’accuser auparavant (et dont on l’accusera encore par la suite), Mel Gibson a beau être englué dans ses histoires personnelles sordides, son regard sur l’être humain illustre parfaitement tous les axiomes maniaco-dépressif dont il souffre, bipolarité en prime. Sa vision des élites représentées est sans concession : elles sont viciées de l’intérieur, corrompues, manipulatrices envers une population aveuglée par la foi et les croyances ésotériques. Le résultat est une société en pleine décadence. Proche de sa fin. La citation en accroche du film est lapidaire.

“Une grande civilisation n’est conquise de l’extérieur que si elle s’est détruite de l’intérieur.” Will. Durant

 

Et le film poursuit (en quatrième vitesse) cette chute précipitée par un twist final qui n’arrangera pas les contempteurs du Mel Gibson catho de l’extrême. Le film, lui, n’hésite pas à jouer des codes narratifs et des archétypes universels. Si la vision du film peut se faire au premier degré, simple, de l’action, on pourra sans mal relever le schéma classique de la proie qui devient le prédateur, du parcours symbolique vers la mort puis la résurection. Ces préceptes mythologiques précipitent le héros vers un “recommencement” que le titre Apocalypto imprime par erreur. En effet, Mel Gibson pensait que le terme venait du grec “nouveau départ” alors qu’il signifie en réalité “révélation“. Quoiqu’il en soit, ce quatrième film fascine immédiatement par son énergie folle. Captivant, dépaysant, il va à l’essentiel et ne s’encombre pas de gras. L’efficacité avant tout. Si certains plans pourront prêter à sourire, il ne s’agit que de détails au fil d’un récit magnifiquement porté par la photographie, sublime, de l’immense Dean Semler que Mel Gibson retrouvait ici après Mad Max. Le résultat est somptueux. Pourtant, le tournage ne sera pas de tout repos. Si Mel Gibson n’hésite pas à faire des dons extrêmement importants aux associations locales, estimant que c’était un devoir lorsque l’on vient tourner un film et mettre un peu le bazar, tempêtes et maladies se mêlèrent à l’histoire transformant l’expérience en véritable épreuve pour toute l’équipe. Le budget s’envole : 40 millions de dollars que Mel Gibson produit seul, une nouvelle fois. Il a des ambitions. Il souhaite “secouer le genre d’action-aventure obsolète“, qui, selon lui, était dominé par les images de synthèse, les histoires inintéressantes et les personnages superficiels. Il veut créer une poursuite à pied qui “ressemblerait à une poursuite en voiture qui ne cesse de vriller les vis“. Pour cela, l’équipe va utiliser la Panavision Genesis, nouvelle caméra HD ultra légère, qui filme plus large que le 35mm classique avec une profondeur de champ extrêmement réaliste, Mel Gibson immerge totalement le spectateur dans l’action. L’utilisation d’une “spidercam” (caméra accrochée à des filins qui se croisent) notamment pour la scène de la cascade ajoute encore au spectaculaire. Mais au-delà de l’action pure et dure, il n’oublie pas les ressorts émotionnels et la peur, terrible, qui essaime un film à la fois moderne, naturaliste et classique.

Le récit d’aventure joue des stéréotypes, des codes, avec une habileté sans faille. Et ce n’est guère sur les péripéties que le cinéaste souhaite nous surprendre mais bien dans la façon de les ressentir. Panique. Angoisse. Horreur. Espoir. La violence, directe, travaille à l’estomac. L’instinct de survie grégaire surnage comme le cinéma américain ne semblait plus être capable de le faire. La musique de James Horner se plaque admirablement sur les images. Recycleur de génie, il cale le score entre ce qui avait été rejeté sur Le Nouveau Monde (Terrence Malick) et ce qui bercera Avatar (James Cameron).

Film de Mel Gibson oblige, Apocalypto n’échappera pas aux polémiques, que ce soit dans la représentation d’un peuple maya particulièrement sauvage – dont les coutume sont confondues avec celles des aztèques – ou tout simplement anachronique tant sur les armes que sur l’architecture de la cité. Pourtant, si l’acteur-réalisateur est en pleine descente personnelle (le tournage l’ayant rincé pour le compte), la critique sera au rendez-vous et surtout ses confrères à l’instar d’un Quentin Tarantino qui n’hésite pas à qualifier le film d’œuvre majeure et essentielle. Le public restera logiquement plus discret que sur La Passion du Christ sans pour autant transformer le film en mauvaise affaire avec près de 120 millions de dollars au box office mondial. Pourtant, Apocalypto n’a pas laissé l’empreinte qu’il aurait dû. Pourtant, Mel Gibson réussit ici à toucher une certaine universalité. Un retour à l’état sauvage. Loin de la civilisation. De la condition humaine. L’empathie en bandoulière. Le film est d’ailleurs dédié à Abel, première victime de l’humanité. Tout est dit. Fermez les bans.

Authenticity. About barbarism. The human condition. Apocalypto is, in a way, the essence of Mel Gibson’s cinema, summed up in two hours of cavalcade in the forest, of human sacrifice, of survival instinct. The film was written with Farhad Safinia, who assisted him in the making of The Passion of the Christ (and who will direct Mel Gibson in his first film, The Professor and the Madman, in 2019). The idea is once again to bring us closer to the story, this time set in the Yucatán peninsula at the height of the decline of the Mayan civilisation. Spoken only in Yucatecan in order to immediately immerse the viewer in the heart of the community, the film launches into an ultra classic narrative, based on simple but still effective arguments: Mayan warriors with little inclination to fool around storm into the peaceful village of Jaguar’s Paw, make a mess of things, capture the women to make slaves of them and the men still alive to take them prisoner, waiting to offer them as a sacrifice to the god Kukulkan. We have known a more festive destiny. Jaguar’s Paw will have to struggle to escape and find his pregnant wife and son trapped in a pit. Clear. The structure of the script is also a model, divided into three parts of almost equal length. One recognises here the efficiency of films that inspired Mel Gibson, such as Predator (also in the jungle) or Conan the Barbarian (for its sacrificed slaves and decay of a civilisation). But also all the codes that will allow him to launch a breathless chase against the backdrop of an allegory of a world in decay, lost in its beliefs and decadent barbarism.

For this fourth film by Mel Gibson does not put its foot down. Apocalypto fascinates from the start with its crazy energy and its ability to immediately place the characters in the story. There is a little humour in the village, the brutality of the warriors, the panic and the fear. The dialogue is incidental. The film is not very contemplative. It is a genre film. Pure and hard. Far removed from the religious proselytism of which he had been accused before (and of which he will be accused again later), Mel Gibson may be bogged down in his sordid personal stories, but his view of human beings perfectly illustrates all the manic-depressive axioms from which he suffers, bipolarity to boot. His vision of the elites represented is uncompromising: they are vitiated from within, corrupt, manipulative towards a population blinded by faith and esoteric beliefs. The result is a society in full decadence. Close to its end. The film’s catchphrase is pithy.

“A Great civilization is not conquered from without until it has destroyed itself from within” W. Durant

And the film continues (in fourth gear) this precipitous fall with a final twist that will not please the contemptuous Mel Gibson Catho of the extreme. The film does not hesitate to play with narrative codes and universal archetypes. If the film can be viewed at the first, simple level of action, one can easily pick out the classic pattern of the prey becoming the predator, the symbolic journey towards death and then rebirth. These mythological precepts precipitate the hero towards a “do-over” that the title Apocalypto mistakenly reinforces. Indeed, Mel Gibson thought that the term came from the Greek for “new beginning” when it actually means “revelation”. Be that as it may, this fourth film immediately fascinates with its crazy energy. Captivating, disorienting, it goes straight to the point and doesn’t bother with fat. Efficiency above all. If some shots might make you smile, they are only details in a story magnificently carried by the sublime photography of the immense Dean Semler, whom Mel Gibson met again here after Mad Max. The result is sumptuous. However, the shooting will not be easy. If Mel Gibson did not hesitate to make extremely important donations to local associations, considering that it was a duty when one comes to shoot a film and make a mess, storms and diseases mixed with the story transforming the experience into a real ordeal for the whole team. The budget is soaring: $40 million, which Mel Gibson produces alone, once again. He has ambitions. He wants to “shake up the obsolete action-adventure genre”, which he says was dominated by CGI, uninteresting stories and shallow characters. He wants to create a foot chase that “looks like a car chase that keeps twisting the screws”. To achieve this, the team will use the Panavision Genesis, a new ultra-lightweight HD camera that shoots wider than conventional 35mm with an extremely realistic depth of field, Mel Gibson immersing the viewer completely in the action. The use of a “spidercam” (a camera hooked up to crossed wires), particularly for the stunt scene, adds to the spectacular. But beyond the pure and hard action, he does not forget the emotional springs and the fear, terrible, which swarms a film at the same time modern, naturalistic and immediate classic.

The adventure story plays with stereotypes and codes with unfailing skill. And it is hardly on the adventures that the filmmaker wishes to surprise us but in the way we feel them. Panic. Anguish. Horror. Hope. The violence, direct, works on the stomach. The gregarious survival instinct surges through in a way that American cinema no longer seems able to do. James Horner’s music is admirably set against the images. He is a genius recycler, and his score is a cross between what was rejected on The New World (Terrence Malick) and what will rock Avatar (James Cameron). The music then envelops the film and gives it a little more flesh.

As a Mel Gibson film, Apocalypto will not escape controversy, whether in the representation of a particularly savage Mayan people – whose customs are confused with those of the Aztecs – or simply anachronistic, both in terms of the weapons and the architecture of the city. However, if the actor-director is in the midst of a personal descent (the filming having washed him out for the count), the critics will be there, especially his colleagues who, like Quentin Tarantino, do not hesitate to qualify the film as a major and essential work. The public will logically remain more discreet than for The Passion of the Christ without turning the film into a bad business with nearly 120 million dollars at the world box office. However, Apocalypto did not leave the mark it should have. However, Mel Gibson succeeds here in reaching a certain universality. A return to the wild. Far from civilisation. From the human condition. Empathy on the shoulder. The film is dedicated to Abel, humanity’s first victim. Everything is said. Close the bans. Great.